照明デザイナーはどのような「ツール」を使用しますか？舞台照明の制御可能な特性

この章では、公演の照明デザインを作成するために照明デザイナーが利用できるツールを簡単に列挙します。以下のセクションでは、これらのカテゴリに何度も戻ります。この本の目的は、それらを最も効果的に適用する方法を特定することです。どのカテゴリが主か副かを決定することはできません。具体的なプロダクションとその独自の条件に応じて、どのカテゴリもビジョンの実現に重要になる可能性があります。したがって、以下にリストされている順序は任意です。

1932年に出版された彼の本The Method of Stage Lightingの中で、マッキャンドレスは照明デザイナーが制御する光の4つの主な特性を特定しました：

• 強度,
• 色,
• 形状,
• 動き。

Stanley McCandlessが述べたことを受け入れ、現代の劇場技術の進歩と現代劇場美学の進化した理解を考慮に入れるために、このリストを拡張する必要があります。

• 角度
• 明るさ
• 形
• 色
• 動き
• リズム
• 構成
• 注目の焦点

おそらく、照明デザイナーに最も頻繁に尋ねられる質問は、「ある特定の物体を照らすために光源をどこから向けるべきか」です。その答えは、デザイナーがその物体に対して達成したい多様なアイデアに依存します。この物体をどの程度まで完全に照らすべきか、また観客の認識においてどの程度まで「劇的」に見えるべきか。しばしば、これらの2つの目的は協力し合わなければなりませんが、互いに矛盾することもあります。「劇的な」影の性質は、「完全な」照明を提供する他の光源によって減少することがあります。影のグラフィックな性質も構図の一部です。

いつも光源の位置を空間内で決定する際、いくつかの質問に答えます: その光が物体を照らすのは抽象的か、それとも動機付けられているか？動機付けられている場合、それは何によってか - 太陽、月、ろうそく、ブラケット、あるいは広告看板の光か。抽象的である場合、それは観客の認識において、既存の光源に関連付けられていないことを意味します。同時に、照明の角度も感情的な影響を持つことを認識しなければなりません。子供の頃、下から照らされた顔は私たちを怖がらせ、恐怖の感情を呼び起こしました。

主な方向性に基づいて、照明は6つの基本カテゴリーに分類することができます:

• 正面照明 – 観客の視線の高さで物体に直接向かっている光
• 逆光 – 背面から物体に向かっている光
• 側面照明 – 物体の側面から向かっている光
• 上方照明 – 上から物体に向かっている光
• 下方照明 – 下から物体に向かっている光
• 正面上方照明 – 前面かつ上方から物体に向かい、舞台面から45度以内の光。

この分類はかなり形式的であることは疑いありません。ステージの実際の条件では、装置を設置するための位置は無数に存在する可能性があるため、いかなる照明角度も上記のものから派生していると考えることができます。(例えば、上部逆光、背面/上方に位置する。)

感情的な影響の観点では、照明角度に応じて以下のことが注目されます:

• 正面照明、影がないため、興味深くなく退屈に見える。ただし、強力な光源の場合、特定の感情的効果を生み出すことができます。
• 逆光、神秘的でミステリアスと描写されます。
• 側面照明、通常非常に魅力的で重要ですが、かなり抽象的に感じられます。
• 上方照明、逆光のようにしばしば神秘的かつミステリアスと受け取られ、強い支配的要素として機能することができます。しばしば「舞台の構図を床に押し付ける」ために用いられます。
• 正面上方照明、45–60度以内に位置する場合、かなり魅力的でクリーンに見えることがあります。これは、俳優の表情を最もよく見えるようにすることを目指す際の最適な角度です。

これらの側面を考慮すると、おそらく最も重要なことは、物体の輪郭や形を解明することが目的である場合、影が光と同じくらい重要であることを理解することです。光と影の相互作用およびバランスは、感情的に重要な空間のボリュームと視角を実現する機会を提供します。

物体を照らして目的を達成する際、常に複数の光源を使用し、さまざまな照明角度を組み合わせます。異なる方向の光源の明るさの特定の比率（バランス）を保つことで、あなたにとってキー（主要）となるものを強調し、他のものの明るさをある程度抑えて、これらが補助的な役割を果たします。主要な照明角度の効果は、他の角度と組み合わせた場合、単独で使用された場合とは異なるものになることが理解されています。

異なる照明角度の光源を多用して物体を照らすことほど悪いことはありません。明るさを得ることはできますし、物体は非常によく見えるでしょうが、平凡で魅力的ではなく、画が台無しになります。これには「必要かつ十分」というルールを守りましょう。この点でのミニマリズムが重要です。「過剰はもはや効果的ではない」ということです。

照明角度を組み合わせることで、異なる照明方法がもたらす感覚をブレンドすることができます。

バックライティングはすでに述べたように「神秘的でミスティカル」とされ、単独で使用すると物体の形状や輪郭を優れた形で際立たせます。しかし、単独の状態では公演で一度か二度しか使用できません。他の光源と組み合わせると、シーン全体をまったく別の状態に変えることができます。たとえば、質の高いサイドライティングや少量のフロントライティングと組み合わせると、既存のシーンから物体を分離し、視聴者の目には物体を観衆に近づけるように見えることがあります。

• 物体が照らされる方向が視聴者がどのようにそれを見、物体がどのように見えるかを決定します。
  • 角度によって照明は、視聴者に平面的または立体的、現実的またはミスティカル、真実または偽と認識（理解）されることがあります。
• ステージ上の照明の質を視聴者が評価する方法は、彼らが自然や周囲の世界で観察するものと直接関係しています。
• 単一の強力な光源は、そのシンプルさ故に非常に効果的であることがあります。

多くの他の光源によって作成された画において、1つの強力な方向性のある光源の支配はしばしば「キーソース」と呼ばれます。「キー」ライトの使用はまた、非常に表現的であることがあります。

物体の照明の角度に応じて、照明デザインにおいて光源がどのように「機能」するのかを分析すると、一般的な結論は次のとおりです。

• 光は形を明らかにし、強調する
• 均一で等しく明るい照明は通常、単調で魅力的ではない
• 影は常に光を強調する
• 多くの光源は常に定義の喪失をもたらす
• 支配的な「キー」ソースは常に表現的に効果的である

明るさは、ステージによって反射される光エネルギーの量です。照明デザイナーは、使用する照明器具の種類、出力、数を選択して、各器具への電圧を調整することにより、強度を操作します。光の明るさは、かすかなちらつきから目が耐えられる最高の限界まで、広く変化する可能性のある変数です。劇場では、明るさは器具の数とサイズ、そして調光バンク、フィルター、シャッター、ゴボ、その他の類似のツールの使用に依存します。明るさのカテゴリを理解する際には、いくつかの要因を考慮する必要があります。

照明はさまざまな科学的方法で測定できますが、劇場の状況では純粋に学術的な関心にとどまるかもしれません。 照明デザイナーは、観客に与える明るさの主観的な印象により関心を寄せます。それは、光そのものではなく、光がどのように見えるかということです。暗いステージにある1本のキャンドルは非常に明るく見える一方で、明るく照らされた環境では数キロワットの照明器具がかなり暗く見えるでしょう。コントラストは明るさの主要な尺度です。装置、衣装、小道具、および俳優の顔のメイクの色と質感は、知覚される明るさに大きな影響を与えます。同じ明るさのレベルでも、黒や白の環境では異なる効果を生み出します。

明るさが変わると、観察者の目は適応します。目は異なる運用条件に適応する重要な生物学的能力を持っています。この特性のおかげで、視覚システムは10⁻⁶–10⁵ cd/m²の広範な明るさレベルで機能します。視界内の明るさレベルが変化すると、一連の自動メカニズムが視覚を再調整するために起動します。適応は、ある明るさレベルから別のレベルへの移行を認識する経時的なプロセスとして見るべきです。明るいシーンは、暗いシーンの後に続くと非常に明るく感じられます。しかし、目が適応した後は、それは「薄暗く」なります。したがって、明るさの感覚を維持するには、この「薄暗くなる」効果に対抗するために、シーン全体の明るさを徐々に増やす必要があるかもしれません。逆に、暗いシーンに先行するシーンが徐々に暗くなる場合、視聴者の「暗さ」への移行はよりスムーズになり、暗いシーンでの出来事の理解が向上します。

人間の身体の生理は非常に持続的です。激しい運動で筋肉が疲労するのと同様に、視覚認知システムは過度の負担で疲労します。疲労の結果として、色と明るさの感受性の閾値が低下し、視覚システムの効率が下がります。過度に強いまぶしい光や長時間にわたる非常に低い照明、または多数の急激な光の変化はすべて観察者の疲労を引き起こす可能性があります。

多くの心理的要因が視聴者の明るさの知覚に影響を与えます。それには適応レベル、明るさのコントラスト、光自体の明るさ、輝度などがあります。明るさを操作することで、色、反射率、コントラスト、物体のサイズ、視聴者からの距離を簡単に区別できる照明レベルを提供することを目指します。シーンを作成する際、ステージ空間の異なるゾーンの明るさの割合を特定の方法で配置することで、視聴者の知覚における物体の階層を確立します。また、視聴者が我々の構図を解釈する（処理する）順序を制御し、視聴者は常に最も照らされた物体を最初に、次により少ない照らされた物体へと順番に認識することを知っています。

これらの興味深い課題に対処する際には、何よりもまず、劇場の後列と前列の両方に座っている観客を尊重することが重要です。視聴者が遠くなるほど、ステージにはより多くの光が必要です。「逆二乗の法則」を常に覚え、考慮に入れることが必要です。– 照明は距離の二乗に反比例します。　二倍の距離に座る観客は四分の一の明瞭さで見ることになります。

輝度に関連する緊張感や雰囲気は、視聴者がその状況においてどれだけ快適に感じるかによって決まります。明るい光は視覚の鋭敏さを高め、視聴者をより感受性豊かにします。「コメディには明るい光」という伝統的なルールがこれを完璧に説明しています。

様々な照明角度について議論する際に、舞台上の物体の形を明らかにする問題について簡単に触れました。物体を照らす原則は、視聴者が知覚する形に直接関係しています。ここでは、形について少し異なる側面に焦点を当てます。絵を描く準備をしているアーティストは、キャンバスをフレームに張ります。キャンバスのサイズと比率は、未来の絵の内容そのものと同じくらい重要です。キャンバスの形は既に特定の情報的および感情的なメッセージを持っています。同様に、照明デザイナーにとって、建築空間の境界に対して、パフォーマンスの各特定の瞬間に利用すべき空間のボリュームを決定する必要があります。即ち、舞台美術家が演技空間を厳密に定義しても、照明デザイナーは常にその空間全体またはその一部だけを照らすことができます。

一人の役者に集中するほどの光があると、その人がより際立ち、視聴者がその心理的パフォーマンスの微妙さに集中するというよく知られたルールがあります。視野の広さを増やすと、視聴者は周囲の環境、社会的、象徴的、さらには宇宙的な影響を含めて注意を広げると仮定されます。絵画に例えると、例えば、狭く照らされた役者は肖像画のようなものです。大きく照らされたエリアは風景やジャンルシーンに似ています。ドラマは通常、個人と環境の間の対立を含みます。個人的な対立は通常内部的です。光に同じ原則が適用されます：空間が広いほど、包含される問題の範囲が広がります。パフォーマンスの特定のスタイルにおいては、照らされた空間のサイズは、演技中の対立の変化する性質に応じて異なる場合があります。

カラー

J.W.ゲーテの色彩論では、「色は感情を呼び起こす光の産物である」と書かれています。私たちが「悲しみで黒くなる；怒りで赤くなる；嫉妬で緑になる；恐れで灰色になる」と言うとき、これらの表現を文字通りには捉えず、人の感情的な経験を色を通じて表現する手段と直観的に関連付けます。可視スペクトル内のどんな色でも、原則として、照明デザイナーに利用可能です。舞台上の色は、色の付いた光と物体の色を混ぜ合わせた結果です。物体は、光を目に反射することでのみ見えるのです。色の付いた微妙なトーンは、役者の顔を引き立たせたり、シーンの全体的な色合いを確立したりするために使用されます。自然またはスタイライズされた色は、衣装や装置の色調を強調、変更、または目指すために使用されます。基本的には、すべての光は既に色が付いています。最も強力な光源、すなわち太陽でさえも、条件付きで「白」と知覚されますが、分解されたときには、完全な色彩のスペクトルを明らかにします。

色が人に与える影響は長い間観察されており、色は彼らのすべての生理学的システムに影響を与え、その機能を活性化または抑制します；色は特定のムードを生み出し、特定の思考や感情を植え付けます。色の影響は、生理的、心理的、美的に分類でき、それに加え、色の連想、意味論、色の象徴性も考慮しなければなりません。

明るく、飽和した、または豊かな暗い色は非常にドラマティックであり、通常、それらの色の関連的または象徴的な意義に結び付けられる意味を視覚者に伝えるために使用されます。例えば、赤は「情熱」や「血」として解釈されるかもしれませんし、青は「平和的」や「ロマンチック」とされ、緑は「嫉妬」とされるかもしれません。いずれにしても、飽和色の意味は非常に重要です。

淡いパステルカラーも効果的ですが、強引ではありません。ライトトーンの色は、たとえば、舞台でのシーンの自然な設定を描写するのに頻繁に使用されます。たとえば、明るい谷や月明かりの夜を模すことなどが例に含まれます。さらに特定の色は、顔の肌、衣装や装置の色とテクスチャを強調するために使用されます。そのような軽い色調の照明は通常、「クールライティング」または「ウォームライティング」とカテゴライズされます。

自然の中で物体が照らされている様子を観察すると、その体積は常に暖かい光と冷たい光のバランスによって明らかになります。例えば、片側は暖かい日光で照らされている一方で、もう片側は常に空から反射された冷たい光で照らされています。このことにより、驚くべき光と影の相互作用が生まれます。自然界では、影は常に冷たいものです。明るさと同様に、色の暖かさや冷たさは隣接する色との相対的なものであることを理解することが重要です。異なる組み合わせでは、同じ色が暖かくも冷たくも見えることがあります。通常、よく作り込まれたバランスの取れたシーンでは、「きれいな」フィルタのかかっていない光束は生命力がなく厳しいものに見えます。

「暖かい」と「冷たい」トーンのパレットを選択し、構成することで、シーン つまりパフォーマンスを塗り上げるパレットを作成することができます。調和の原則を見落とさないでください。色の組み合わせは、視聴者とコミュニケーションをとるための言語です。忘れてはならないポイントは:

• すべての光は色を持っている
• 色は雰囲気やムードを作り出す強力なツールである
• 色はアクションの場所、時間帯、季節を示すために使用される
• ライトカラーもムードや雰囲気を作り出すことができるが、より穏やかに行う
• 飽和した色は簡単にステージの絵を圧倒したり飽和させたりする可能性があるため、細心の注意を払って使用する必要がある
• 色は象徴的および意味的な意義を持ち、信号装置として利用することができる

舞台空間を移動するスポットライトの光束は、それ自体で十分に力強い表現ツールです。皆さんは、著名な道化師オレグ・ポポフがスポットライトの光束をまるでパートナーのように扱ってアリーナで演技を行った有名な演技を鮮明に覚えていることでしょう。偉大なゴードン・クレイグは、そのハムレットで、ハムレットの父の影の出現を光束の動きで表現しました。ここでは、ソリストやプリマドンナを照らすフォロースポットのルーチン作業については言及していません。可視の移動するスポットライトの光束は、舞台美術、視点、ボリュームを変え、舞台空間を変革することができます。移動する光束はまた、力強い感情的かつ舞台美術的なツールです。

かつては、これが劇場にとって非常に複雑な技術的課題でした。動的で制御可能なスポットライトがないと、多くの光源を特定の方向に向けることでしか実現できませんでした。明るさのレベルを滑らかに調整し、一部の光源をフェードアウトさせ、他の光源を導入することにより、フットライトから奥行きへと移動する光束の運動感を生み出すことができました。

動的な自動装置がますますショープロダクションから劇場に進出するにつれて、動的な表現照明コンセプトの比較的容易な実現が可能になりました。移動は時間の要因です、そして、照明された空間の構成における移動と変化の速度は、主に舞台アクションのダイナミクスとテンポによって決定されます。同時に、この移動がその同じアクションのダイナミクスを確立することもあります。

ステージアクションのリズム構造により時間と直接的に結びついた要因。ライトキューの変化のテンポリズムは、ステージアクションがどのように知覚されるかのダイナミズムを形作ります。ライトキューのリズム構造は、元の劇的または音楽的な素材（楽譜）に根ざしたパフォーマンスのプロダクションコンセプトに基づいて直接構築されます。

ステージ作品の構造に対する感情的知覚のダイナミックな進化は、行動の各瞬間だけでなく、幕にも関連しています。1960年代と1970年代のドラマを高めるための一般的な技法 - 「ストロボライト」を活性化することや、ムソルグスキーのオペラ『ホヴァーンシチナ』における「モスクワ川の夜明け」のスムーズで数分間にわたる移行 - はステージアクションのリズムの決定を例示しています。

ステージ上でのライトシーンの変化の頻度とコントラストは、他のパフォーマンス要素が静的であっても、パフォーマンスの知覚のリズミティを確立します。

演劇照明は、主にパフォーマンス内で統一された、一貫性のあるダイナミックなイメージの創造を求められるため「芸術的」です。それはパフォーマンスの複雑な現象の構造から生まれ、それと密接に結びついています。パターン、形態、視点を作り上げる照明デザインのすべての表現力は、パフォーマンスのアイデアと目的に従属します。構成の原理の知識は、視覚的知覚に向けられた作品を作るアーティストと同様に、照明デザイナーにとっても不可欠です。

確かに、パフォーマンスの照明デザインは、照明デザイナーが制御できない全体的なプロダクションソリューションの多くの要素に直接依存しています。演出家、俳優、舞台美術家は、衣装デザイナーと協力して、構成条件をサポートするために要素を調整できます。写真家ですら、構成を完璧にするために撮影角度を変更することができます。この意味で照明デザイナーは、観客の視点を変えることさえできません。舞台美術家と演出家が俳優の構成上有利な位置に合意しても、アクションが俳優を舞台の別の場所に移動させることを要求する場合、構成は乱れます。

視覚構成のすべての要素は相互に関連しており、全体的なイメージに影響を与えます。照明なしではどの構成要素も「機能」できず、唯一光だけがすべての要素を最終的な調和に結びつけることができます。演劇は主に視覚的な知覚に向けられており、照明デザイナーは観客が何をどのように見るかの最終的な仲裁者です。照明デザイナーの唯一のツールは光です。構成を制御する唯一の方法は、特定の見える部分の照明を強化したり、他の部分を暗闇に沈めたりして視野を広げたり縮めたりすることです。これは重大な責任であり、知覚を強化するか、逆に他人によって作られた構成の知覚を損なう機会を提供します。

この理解を持って、照明デザインの構成に取り組む際には、様々な位置からステージを見る観客のことを考慮しなければならず、7列目の観客にとって完全にバランスの取れた構成が、「ギャラリー」にいる観客にとって同じように印象的で完璧であるとは限りません。

形式的には、このカテゴリーが独自のセクションを持つ必要がなかったかもしれません。観察者が最初に目を向けるのは、最も強調された明るいゾーンやオブジェクトであることを私たちは知っています。通常、それらは構図の中心を形成します。イーゼル絵画において、これは議論の余地がありません。しかし、劇場では、俳優のわずかな動きで全体の構図が変化し得る事象のダイナミズムや、観客座席の広範な範囲のために、構築された構図が8列目の観客とバルコニーの観客によって異なる解釈をされることを意味します。光と色の特性を使用して、観客が舞台の動きをどのように観察（視覚的に解釈）するかを予測し計画する必要があります。

光はほぼすべての「視覚的」な構成の基礎的な要素の一つです。そしてもちろん、すべての視覚形式の中で、光は最も無形のツールです。舞台公演において、光は舞台上に配置されたあらゆる立体的なオブジェクトよりも抽象的な要素であり、それがはるかに大きな視覚的関心を引きます。

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