光と他の物質的な物体との相互関連は非常に明らかです。理解しているかどうかにかかわらず、光がそれらに「影響」を与える方法が、これらの物体がどのように見えるかを決定する意味で。光と音のつながりは、それほどあらかじめ決まっていないが、その概念を定義する上で、少なくとも同様に、時にはより大きな影響力を持っています。
その例は、歴史の様々な時代におけるライトミュージックのパフォーマンスの大きな人気です。A.Y.スクリアビンから、ロシアでのフランスの人気ミュージシャン、ディディエ・マロアーニまで―これらは、光と音楽のシンセシスを創造的に示す試みです。
私たちは、音楽を光色のコンポジションに変換するための技術的規則性を見つけることに専念している科学者やミュージシャンの作品については議論しません。
歴史の異なる時代には、様々なエキゾチックな概念が提唱されましたが、例えばサンクトペテルブルクの教授V.V.アファナシエフによる音楽の「数学的」翻訳についての最新の開発などがあります。しかし、音楽を光色に翻訳することの明らかな主観性は、私たちには明確な鍵を与えることはおそらくないでしょう。
A.Y.スクリアビンやN.A.リムスキー＝コルサコフのような作曲家でさえ、音楽に色を「見た」方法が異なることが知られています。
オペラ、ミュージカル、バレエ、またはロックコンサートの照明スコアに影響を与えることが間違いない音楽だけでなく、他の音（効果音）も、演技の照明スコアに決定的な影響を与え、その照明の変更を要求することがあります。
ドアの閉まる音、ガラスが割れる音、列車の音、または雨の始まりなども、ちょうど音楽のテーマの変更と同様に、照明の変更を求めます。
観客は常に音と光の変化の密接なつながりを想定していますが、このつながりは明らかでなくても。これを簡単に「ライトミュージック」パフォーマンスのようにすることで確認できます。
舞台のボックススペースで照明位置のシーケンスを作成し、色、照明の角度、明るさ、コントラスト、スピード、および位置変更のリズムを変化させます。その後、シーケンスをコンピューターに自動再生モードで記録し、「ショー」が何度も同じように繰り返されるようにします。
これを行ったら、異なるテンポとムードの異なる音楽の抜粋を再生しながらシーケンスを再生してみてください。
その結果、すべての音楽の抜粋において、光と音の変化が一致するとき、興味深い共鳴が間違いなく生じます。ただし、照明の「キャラクター」が音楽のムードや構造を「壊す」場合でも、生じた「不協和音」が音楽をおもしろくするのに劣らないほどの効果をもたらします。
場合によっては、光と音の「闘争」によるディスハーモニーが、アクション内の特別な瞬間に良い緊張感のあるドラマティックな効果を提供することがあります。
しかし通常、照明デザイナーは音楽のスコアの構造やムードを強調し、光と音の調整された「平行性」を目指すことを常に心がけています。音楽の中のいくつかの変化が、照明の変化の具体的な動機に基づいています。「偶然の」、無動機な照明の変化は、特別な方法で観客の注意を引きつけることが課題である特別な場面でのみ許容されます。
通常、劇中では光と音が協力し、他のパフォーマンスの要素とともに、観客の対応する反応（ムード）を形成します。
ほとんどの場合、パフォーマンスで使用される音楽は基盤であり、それ自体がパフォーマンスのスタイルを設定し、ある種の「ドラマトゥルギー」をもたらします。音楽の中の変更が、音楽作品に対応するパフォーマンスの他の要素の変更を促します。
例えばバレエの話をすると、最も重要なのは音楽で、それが動きや振り付けを動機付け、したがって照明の主な動機にもなります。
ドラマティックなパフォーマンスやオペラ、ミュージカルでは、アリアや曲がスタイリスティックに離れることが一般的にあり、照明の変更は音楽のムードの主要な変化を正当に強調します。
実際、ほとんどの場合、ミュージカルやドラマティックなパフォーマンスでは、メインアクションの流れから曲を際立たせることが自然な必要性です。例としては、ベルトルト・ブレヒトの演劇における「曲」の例があります。曲のパフォーマンスに観客の注意を集中させるために、特別な「伴奏」としての光が必要な場合があります。 パフォーマーが曲を観客に「売る」ことが難しいかもしれません。
ロックコンサートの複雑なダイナミックな照明は、音楽が感情を揺さぶり、音楽の影響を高めることができることをミュージシャンたちは理解しているため、複雑さへと進化しました。 ライトの効果を巧妙に活用することで、平凡な曲を良いものとして「売る」ことができることは秘密ではありません。
ロックミュージシャンにとっては、ショーで使用される照明機器のコンテナの数が競争の誇りのためさえあります。
通常、照明は音楽のムードを強調し、強めるように試み、音楽そのものに意図された反応を観客から引き起こす刺激的な照明を見つけようとします。
ミュージカルパフォーマンスの多くの曲は偶然ではなく配置されており、感情的な緊張の発展がナンバーからナンバーへと非常に重要であるため、照明にも同じ要求が設定されていることが重要です。 同じ構築スキーム、色、明るさ、ダイナミクス、そして他の要素の調整の対応性が必要です。
しばしば、照明デザイナーは、曲の詩節間の照明変更を計画しますが、おそらくそれは正しいことですが、ボーカルのトランジッション、リズムの変更、新しい声や楽器の導入、特に曲の中のダンスインサートに反映される必要があります。
劇のアクションに組み込まれたほとんどの曲は、古い伝統的な解決策を使用しています。キャラクターは仲間から一歩前に出て、残りのアンサンブルは凍結するか、暗めのスペースで演奏します。照明の明るさの焦点が歌うソリストにシフトし、残りのスペースは「暗くなる」か、対照的な色で照らされます。
時には「宛先人」であるキャラクターに焦点が当てられることもあり、デュエット、トリオ、カルテットのような場面は、各キャラクターに異なるポイントを導入するか、または質的に異なる照明システムを使用して解決されます。
長年の実践によって開発された無数のクリシェを繰り返すつもりはありません。
音楽のナンバーの照明に、パフォーマンス全体を作業する上での徹底性と同じアプローチをすることをお勧めします。
結局のところ、一般的に言えば、音楽のナンバー、曲、またはアリアは、同じ法律に基づいて構築され、発展するミニチュアパフォーマンスです。
パフォーマンスのこの部分（「パフォーマンス内のパフォーマンス」）に十分な時間を割くことが重要であり、部分と全体の両方のレベルで「統一」の重要な原則を遵守します。
音と光（色）の感情的な相互依存は非常に近く明白であり、多年の間に正確で明確な変換のアルゴリズムを見つける無数の試みが理解できます。
異なる科学者やミュージシャンによる試みと研究の結果を簡単にレビューするなら、そのレビューは無限になる可能性があります。
音と色の対応アルゴリズムを探求することは常に存在しており、人類の「普遍的調和」を見つけたいという永遠の欲望によって主に駆動されていました。これらの検索は19世紀半ばから20世紀初頭にかけて最も人気がありました。スクリアビン、リムスキー＝コルサコフ、マレーヴィチ、シャガールなど、多くの名前を挙げることができます。重要なのは、方法の類似と目的の同一性にもかかわらず、すべての作品が作者の主観に基づいていたということです。そして、ある日、誰かが光と音の間の技術的に正しい対応アルゴリズムを見つける日が来たと想像するなら、その瞬間、照明デザインは芸術の対象ではなくなると私には思えます。
アーティストの解釈の主観性と観客の知覚が、芸術的な形の多様性と、観客による「習得」の結果を生み出しています。
したがって、作品の音楽スコアを読み、分析する際には、照明デザイナーは音楽が自分の知覚に引き起こす感情に非常に敏感でなければならず、観客の知覚に適切な感情を刺激できる照明の技術と品質を見つける必要があります。
知覚の心理学的な研究は、特定の解決策を探すための方向性をおおよそ決定する鍵を提供します。
例えば、低い音を持つ音を、スペクトルの真ん中に位置するより飽和し、明るく暖かい色と観客が関連付けることは知られており、高い音は冷たく純粋な色と関連付けられます。これらのパターンについては、心理生理学的な知覚の特徴を分析する際に再び戻ります。
照明デザイナーは、音楽を聴き、音楽作品のスコアを読みながら、ドラマの分析を行うのと同じ慎重さでパフォーマンスの音楽スコアの分析に取り組む必要があります。
ここで多くのパラレルが引かれます。基本的に：音楽には新しいテーマの出現があり、新しいキャラクターの登場と同様にドラマがあります。テーマやキャラクター、ムード、対立の発展は、ドラマと音楽スコアの構造の両方に同様に固有のものです。 そして、リズムとテンポ。
一般的に、音楽の中で起こる変化に基づいて、照明の変更が行われ、その照明画の持続時間は音楽のフラグメントの持続時間によって設定されます。 いかなる場合でも、照明のトランジッションの正確な配置、それらの時間的特性、トーンとムードの適切さが、パフォーマンスの音楽的な要素がどの程度理解されているかを示します。
もちろん、スコアの特徴について作曲家と話し合い、彼の理解を体得し、自分の結論と比較することができるのは大変な幸運です。
いずれにしても、作曲家、指揮者、芸術監督とは、この作品の音楽解釈に関連する技術を見つける際に役立つ人たちです。
